电影噩梦——电影史上的恐怖经典

一、电影梦魇——电影史上的恐怖经典（论文文献综述）

兰剑飞^[1]（2021）在《身体的生成与身份转换 ——大卫·柯南伯格导演研究》文中指出大卫·柯南伯格被誉为“加拿大最着名的国际电影导演”,他以身体恐怖类型而闻名。纵观柯南伯格的一生,其作品的独特性不仅体现在身体恐怖类型的怪诞风格上,还体现在该类型的超越上,他将身体恐怖进行了艺术化处理,对恐怖类型进行了补充;同时他还通过现代主义文学的改编使得艺术电影叙事复杂化,并在艺术电影中融入身体的元素,使得艺术电影恐怖化,从而模糊了类型片和艺术电影的边界。并将现代科学技术对身体的改造,以及伴随身体改造带来的身份焦虑的议题带入观众的视野,形成当代社会的身体寓言。本文共分三章,第一章主要聚焦柯南伯格早期的身体恐怖类型以及身体恐怖类型如何艺术化的问题。首先从当代恐怖类型这一外围角度进行探究,试图勾勒出柯南伯格的身体恐怖类型与当代恐怖类型的联系以及区别,其次将对柯南伯格的身体恐怖类型的特异性进行分析,并对身体恐怖的恐怖机制进行详细阐述。最后对身体恐怖的哲学意义进行探究,尤其关注身体在现代科学技术主导下发生的改变。技术使得身体生成,身份也发生相应转化。第二章主要聚焦三个问题,一、柯南伯格在确立作者导演地位时如何在弱化身体恐怖类型元素的同时又与早期的身体恐怖类型保持一定连续性;二、如何通过融入好莱坞元素实现反类型叙事;三、如何通过改编现代主义文本实现艺术电影叙事复杂化,将身份转化的问题凸显出来。首先将从导演的意图来阐述风格转变的原因,其次将对该时期作品的风格形式以及伴随现代主义文学改编引入的身份转化主题进行细致的分析,从而对以上三个问题进行探究。第三章聚焦两个问题,一、柯南伯格在国际化时期如何通过叙事唤起观众对身体的感知,从而实现早期的身体恐怖元素的回归,使得艺术电影恐怖化的问题。二、如何通过自反叙事来揭示好莱坞神话的建构性的问题。因而这一章将通过对比柯南伯格2005年后作品的“常态化”身体与早期“越轨”身体来探索柯南伯格“常态化”身体的叙事机制,以此回答柯南伯格该时期的作品如何向早期身体恐怖类型致敬与回归,如何完成艺术电影恐怖化的艺术效果以及如何模糊类型与艺术电影的边界等问题。

翟邵琪^[2]（2021）在《好莱坞科幻电影中怪兽形象塑造研究 ——以《异形》系列电影为例》文中提出

尤达^[3]（2021）在《网络时代美国创剧人研究》文中认为美国创剧人,英文为the creator of American TV soaps,sitcoms and series,原指提供故事创意或者完成试播集剧本向各大电视网推销的人,在实际生产中演变为美剧的创作主体,即具有创作剧本能力的执行制片人。从历史观之,电视时代的创剧人在美剧生产过程中流露出普遍性特点,由此形成的群体特征深刻影响着创剧人自身的演变:从身份的确立到群体的形成,再到阶层的固化。网络时代的创剧人致力于群体特征的变革,以此打破阶层的桎梏。立足创剧人文本的内容与形式观之,所谓“变革”与以往并非只是理念上的区分,在实践场域的分野十分明晰。创剧人既对美剧成规化生产模式进行大胆革新,又依据“自我”的觉感与体认进行个性化创造。更为重要的是,创剧人调和了成规与个性间的对立关系,在文本的内容选择上追求“他者互文”与“自我表现”的紧密结合,表现形式上注重制作范式与创作风格的高度统一,由此在作品中反映出多元且精彩的主题,满足受众不断增长和变化的娱乐需求。这便使得创剧人不再只是播出机构定义下一味媚俗的符号客体,而是被赋予对超越性的追求。本文从历史与现实的维度探讨美国创剧人群体的演变;从文本的内容选择与表现形式上深入考察网络时代创剧人的变革举措,指出其群体特征的两个维度;进而分析这两个维度的相互关系与共同作用;最后基于媒介场域的变化探讨群体特征发生变革的外在成因,从创剧人心理探讨变革的内在动因。如此,形成了对网络时代美国创剧人从表象到本质的考察。揆诸现实,这一研究的目的在于面对美剧在全球范围内卓越的传播力,从创作主体维度探寻美剧的成功之道,以求能在去芜存菁中有效“吸收外来”,为国产电视剧的发展带来启示意义。

胡向伟^[4]（2021）在《以爱的名义救赎 ——斯皮尔伯格《人工智能》的科学逻辑和伦理反思》文中研究指明《人工智能》是斯皮尔伯格科幻电影的经典文本。这部电影以人工智能为主线,经由机器人的视角,把科技与人性巧妙地融合,用“爱”来审视人类的技术宿命。斯皮尔伯格通过对未来世界人工智能的技术想象,引出了对人类未来命运的终极思考。科学技术的迅猛发展使得人类从自然生存转向技术生存,进入了一个被技术充斥的社会。技术哲学关乎“人”的生存状态和人类的未来,是当下学界研究的重要命题,而媒介技术哲学则是重中之重。斯皮尔伯格的《人工智能》用数字媒体技术为我们构建了一个智能化的未来社会,它通过“爱”展开了一场人类与机器之间的彼此救赎,并在救赎中凸显了科学逻辑和伦理反思之间的碰撞,最终拷问了技术笼罩下的人性图景和未来社会的命运走向。作为理论关照,本文首先梳理了媒介技术理论、技术哲学理论、科技伦理理论以及媒介技术哲学的整体景观。在此基础上,本文分析了斯皮尔伯格《人工智能》的文本典型性,并系统探究影像文本蕴含的科学逻辑和科幻景观,进而观照当下媒介社会中的人类技术化生存图景,并彰显启示与反思。研究认为,斯皮尔伯格《人工智能》的科学逻辑是通过未来城市构建,呈现奇观化的技术“伊托邦”。其中,数字化的影像构建、全知型的人物叙事以及人机爱之链都是不可或缺的组成部分。与此同时,科幻伦理贯穿家庭伦理、社会伦理及技术伦理,并得以系统显示。影片中关于人工智能带来的科学逻辑和伦理图式是斯皮尔伯格严肃的技术追问与哲学思辨。《人工智能》作为斯皮尔伯格科幻电影的经典代表之一,表达了斯皮尔伯格独特的科学逻辑和伦理反思。未来世界技术的智能性和智慧性在人类文明进程中具有“助推器”的功能,但是,科学技术对人类的宰制、社会的异化以及对传统伦理规范的冲击也是不容忽视的。同时,作为好莱坞科幻电影的经典文本之一,《人工智能》遵循着好莱坞科幻电影一贯的生产模式,科幻电影的童话性、艺术性和人文性是其科学逻辑和伦理反思的基础;技术对人的宰制,成为《人工智能》的哲学反诘,并系统性加以凸显。藉此,未来忧患与人类命运终极关怀成为了电影文本的主题表达。换言之,《人工智能》以技术思辨为视角,呈现了以好莱坞为代表的西方科幻电影科学逻辑和哲学反思的核心内涵。概言之,以斯皮尔伯格《人工智能》为指称的西方科幻电影不止是视觉和听觉的盛宴,更是以技术为卖点的商业影片,蕴含其中的科学逻辑和哲学反思,既是《人工智能》,也是好莱坞科幻电影乃至真个西方电影的灵魂所在,堪为中国电影之借鉴。

陈琪^[5]（2021）在《创伤体验与影像救赎 ——英格玛·伯格曼电影研究》文中研究说明创伤体验与导演的创作之间存在着密切复杂的联系,是探究导演的创作动机和作品表现的重要线索。英格玛·伯格曼作为瑞典电影电视剧两栖导演、电影剧作家,他的作品在国内外有着不可小觑的影响力,而童年时期所形成的心理创伤却牵引着其一生的创作方向,这种独特的创伤体验成为伯格曼进行艺术创作的不竭动力。伯格曼的创伤体验在影像作品中不断地进行呈现、解构与重塑,伯格曼借此实现对自己的精神救赎。本论文将分为绪论、正文、结语三个部分。绪论部分:主要表明选题原因,阐明本选题的问题意识,对英格玛·伯格曼的相关研究成果进行梳理和评述,对相关理论进行界定,并结合运用创伤理论与精神分析学、电影叙事学等相关理论,建立合理严谨的研究思路。正文部分:本篇论文将在创伤理论的视野之下对伯格曼在童年时期所遭受到的诸多创伤体验进行梳理,阐释心理创伤与其影像表达间的联系,以及他在影像中追求救赎的历程。第一章:主要论述英格玛·伯格曼成长过程中创伤形成的原因。父母子女间的反叛对抗、两性之间的情感纠葛使得英格玛·伯格曼内心的情感极度缺失。上帝在面对伯格曼遭受苦难时始终保持沉默,导致伯格曼对上帝的信任渐渐消失,却始终无法摆脱内心源于基督教深重的“原罪意识”。此外,伯格曼的童年常常直面死亡的威胁,年少时懵懂的性欲也被无情封印。以上是造成英格玛·伯格曼创伤体验的主要原因。第二章:主要是分析英格玛·伯格曼的创伤体验在其电影作品中的主题映射。主要从影像作品中情感困境、信仰危机和生命哲思三方面内容来展开叙述,无情的家庭和无爱的婚姻充斥着成长历程的每一个阶段,也充斥着伯格曼的每一部影片;影片中伯格曼与上帝决裂,却未肃清“原罪意识”的纠缠;伯格曼渐渐领悟到死亡并不可怕,失去人生的意义才是可怕,而过度的放纵性欲却致精神越来越空虚,并映射到影片主题中。第三章:主要分析英格玛·伯格曼的创伤体验在其电影作品中的视听呈现。主要从镜头映像下的创伤折射、光影色彩展演执念、灵魂最深处的吟唱三个部分来分析英格玛·伯格曼如何运用视听语言展演创伤。第四章:主要是分析英格玛·伯格曼如何借助电影实现精神救赎和升华。电影成为伯格曼的避风港,在这里他找到了自我,并开始追求生命的意义,苦难之情得到疏导。伯格曼终于开始了与人生的和解,重新燃烧起爱的希望。结语部分:在这个时代谈伯格曼的电影研究是很有必要的,伯格曼通过对自身创伤的呈现和表达,使作品产生丰富的人性意味和独特的美学风格以及多元的视听表征。

刘翔宇^[6]（2020）在《好莱坞惊悚片剧作研究》文中研究说明好莱坞电影早就已脱离了传统类型电影的发展轨迹,取而代之的是不同类型电影风格的杂糅。尤其在二十世纪六十年代以来,新好莱坞电影发展迅猛,反类型电影层出不穷,类型电影的风格混合程度越来越高。惊悚片作为一种典型的类型混合电影,不仅如同传统恐怖电影能够提供紧张惊恐的观影情绪,而且通过情节悬念的设置令观众产生深层次的焦虑心理。惊悚片在六十年代之前被划分为恐怖片的次类型,以阿尔弗雷德·希区柯克导演于1960年拍摄的《惊魂记》为标志,惊悚片作为一种类型电影走向成熟。因此在视听语言风格上惊悚片必然受到恐怖片的影响。而风靡于四五十年代的黑色电影同样对惊悚片的形式与风格产生深远的影响。而惊悚片的核心叙事模式由希区柯克拍摄的一系列影片构建出来的。在叙事上,惊悚片的题材和主题贴合美国社会文化现状,反映出不同时期美国人内心的恐惧与焦虑,尤其随着互联网技术的发展,以电脑和智能手机为叙事媒介产生了独特的“网络惊悚片”;在惊悚片中常采用封闭式叙事空间,封闭空间可以直接参与到影片叙事中,从而加快叙事节奏,产生浓烈的悬疑惊悚氛围。在开放式叙事空间中,惊悚片依旧能构建出一个非理性的恐怖世界。在网络叙事空间中直接暴露了人们对未知空间和人性阴暗面的焦虑无力;在叙事结构上使用线性和非线性结构,以限制型叙事角度构建故事悬念;惊悚片作为类型电影,类型化的人物不可或缺,但并非一成不变,而是随着社会和市场的变化而改变。其中女性角色完成了从传统的被动的到现代的主动的“三重转变”。同样,在惊悚片中男性角色也在逐渐颠覆传统的类型角色形象。对传统类型电影的融合与颠覆是惊悚片的类型属性,其产生的恐惧焦虑心理,正是观众对惊悚电影的类型期待。

冯琪^[7]（2020）在《罗曼·波兰斯基创伤体验与影像救赎》文中研究表明罗曼·波兰斯基是世界电影史上拥有极高的艺术成就却又备受争议的导演。他的电影类型多样,但是在每种类型中都拥有自己独特的风格,这正是因为他的电影中蕴藏着属于他自己的创伤痕迹。波兰斯基在这些深深的印迹中,通过影像完成了对生命的感悟,对创伤的救赎。本论文分为绪论、正文、结语三部分。绪论部分:主要是阐述选题原因,表明写作的问题意识,梳理和评述迄今为止关于波兰斯基的研究成果,对创伤、体验、救赎分别进行概念界定和理论发展的梳理,并运用创伤理论、精神分析学、文艺心理学、电影叙事学等相关理论,建构研究思路。正文部分:从波兰斯基创伤体验的成因,在影像中的呈现,以及他在影像中尝试自我救赎的过程。第一章是对波兰斯基生存处境中创伤体验的探讨,以及创伤体验如何造就他敏锐的感悟能力,激发他强烈的创作冲动。主要从二战阴影下的成长过程、命运多舛的爱情经历和负罪逃亡的亡命生涯三个部分进行深入挖掘。战争中宗教信仰的崩塌、寄养家庭的隔阂和波兰红色政权的冲击给波兰斯基留下了最初的创伤记忆。爱情中一次次被抛弃和丧妻之痛,在他心上留下创伤烙印。负罪逃亡中身体的囚禁和精神的漂泊,不可避免地浸染进他的生命中。第二章主要分析波兰斯基创伤体验的影像表达。波兰斯基复杂的生存处境,给了他一双怀疑的、发现悖论的眼睛。波兰斯基选择了将自己的创伤寄托于电影当中,他倾向通过矛盾成份的并置,使其作品产生另类的张力。在影像中表现为矛盾的人物形象、封闭空间的意义以及恐怖惊悚的美学风格。波兰斯基影像中的人物常常面临二难的困境,在进退维谷的情境下,陷入自相矛盾的焦虑中。生活在犹太隔离区的空间封闭、成长在波兰红色政权高压下的认知封闭,让波兰斯基在封闭空间中探寻人生的意义。至爱亲人的死亡所带来的悲伤和苦痛,以及自身对死亡的困惑和疑惧,激发了波兰斯基影像中突出的恐惧惊悚的风格。第三章主要分析波兰斯基创伤体验的影像救赎。这部分从镜头调度中直面创伤、色彩光影中展演创伤、暴力场面中净化创伤以及动人音乐中升华创伤这四个方面来进行研究波兰斯基对于救赎的尝试。首先,波兰斯基通过冷静克制的长镜头和清醒客观的手持摄影表达了他直面创伤的勇气。其次,他在色彩的冷暖对比和光线的明暗反差中展演内心的创伤。再次,他通过电影中的暴力场面来宣泄和净化痛苦,在血腥暴力中展现浪漫,在戏谑暴力中传达幽默,在荒诞暴力中反思人性。最后,他赋予胶片中的音符特殊的意义,在动人的音乐中赞颂自由、抚慰心灵、洗礼灵魂,从而升华创伤。结语部分:“救赎”并不是一个完成时,而是一个动态进行的过程,波兰斯基在影像中尝试救赎的努力已经是他与过往和解的体现。波兰斯基一直在他独特的影像世界中探索着,传达着他生生不灭的创作热情,尝试着救赎自己伤痕累累的心,也安慰着无数同样热爱电影的观众。最后指出论文存在的不足。

胡心言^[8]（2020）在《西欧二战题材电影研究》文中指出德、法、意、英四国的二战题材电影通过其叙事模式、人物塑造、影像风格等内部话语与战后西欧社会文化思潮和意识形态语境等外部话语之间的深度交互,参与了二战相关的国族叙事建构、创伤记忆疗愈和罪责反思进程。四国二战题材电影的数量悬殊、成就高下以及美学形态的诸多差异,均源于不同国家的“记忆任务”的轻、重、缓、急之别。“记忆任务”越重的国家,其二战题材电影的总体艺术成就相对越高,对本国主流电影思潮的建构和电影审美取向的转向都产生了深远影响。相较之下,记忆任务较轻的国家,其二战题材电影取材较为单一、批判性弱,则相对游离于本国主流电影史之外。西欧二战题材电影作为历史叙事文本,在不断流变的当下社会现实中构建二战记忆,在意识形态主导的国族神话、大众集体意识以及电影作者的艺术表达三种主体力量角力中将二战历史叙述为群体共享的二战记忆。西欧二战题材电影经历了三个不同历史阶段:在“压抑阶段”,国族叙事以抵抗主义神话遮蔽个体记忆,集体的刻意遗忘与电影作者的刻意记忆之间呈现紧张的博弈关系。在“内化阶段”,一部分通过自传式叙事将战争中的各色群体和多方事实呈现在银幕上,另一部分则从代际关系入手声讨被遮掩的战争罪责,寻求新的身份认同,但他们事实上都注重灵活调整叙事技巧,以调试社会大众的接受情绪,将真实的创伤记忆内化于西欧民众的历史与生活。“记忆”与“遗忘”在这一阶段是相互协作的关系。在“弥散阶段”,欧洲一体化进程促使二战创伤记忆每每成为各国之间建立情感和获得认同的起点,西欧二战题材电影再度被流行文化所捕获,呈现出类型化倾向。而另一方面,电影中的犹太大屠杀话语不断兼并当今第三世界国家苦难话语,对二战苦难的记忆间接导致了对其他国家具体苦难的遗忘。二战记忆的弥散现象证明西欧文化真正克服了二战创伤,也预示着二战记忆已然成为继人文主义、理性主义神话之后的新欧洲神话。西欧二战电影叙事的伦理困境是:传统的正邪对立的二元道德评判体系无法推动罪责反思进程,故无法实现创伤疗愈功能。对此,依托西欧伦理学、社会学、文艺美学的长足发展,西欧二战题材电影逐步建立了一个立体化、开放化、历时性的道德评判体系:对于平庸之恶的发现,将罪责审判问题转化为负罪者与自我、与体制的对话和反思;对身体主体性的认识激发了广泛的女性主义社会实践,而西欧二战题材电影中的女性作为战争中立者所遭遇的间接伤害,将战争罪责中的“我”与“他”缝合为休戚与共的“我们”。存在主义哲学所提出的自由观和死亡观,将战争罪责的直接后果者——无辜者的死亡,转化为人在向死而生的恒常宿命中如何坚守和选择的哲学命题。经过了伦理的审判、身体的缝合和存在的超越,西欧二战题材电影被从绝对的二元道德评价体系中解脱出来,西欧二战创伤记忆由一种民族之间的具体的仇恨记忆,转化为具有人文关怀、反思意识和审美价值的文化记忆。西欧二战电影的两个历时性框架:创伤建构体系内的“压抑-内化-弥散”,罪责反思体系内的“罪责审判-创伤表征-人文超越”,为中国二战影片提供了坐标参照。比照之下,中国二战反思的越位和游离两种错置现象,不仅缘于公正迟到所引发的二次创伤,更缘于民族主体性的缺席所导致的内在反思的无力。因此,建立内省的民族文化主体以疗愈民族创伤,书写建构性的历史记忆以确立民族身份,是中国二战电影乃至中国民族电影的必经之途。

陈一霖^[9]（2020）在《论观看恐怖电影的审美感受》文中研究指明在人类的发展史上,恐怖感始终如影随形,无论在现实生活中还是想象性的情感体验都能引发恐怖情感。从宏观角度划分,恐怖可分为现实恐怖与艺术恐怖,这种划分就使得恐怖进入审美领域。对此的评判标准是恐怖这种痛感能否通过审美客体的展示转化为一种具有愉悦性质的美感。从戏剧、文学到电影,各类艺术形式都努力在视觉听觉等多种感官上给予观众刺激、调动受众的想象力制造出让人惊心动魄或如梦幻影的恐怖世界同时,又与受众保持一个恰当好处的审美距离,这些都是恐怖美感产生的前提。然而感官刺激只是抵达受众审美域的前提之一,每个人都有自己独特的审美域,只有在让受众通过恐惧、恶心等感觉后回荡起愉悦又具有突破感的欣赏感受,恐怖叙事对象才能成为文艺欣赏对象。本文试从文艺心理学的角度出发,深入探讨恐怖电影是如何在承袭古希腊悲剧中的恐惧情感基础上使受众主体进行独特审美体验的。首先,厘清关于恐怖的相关概念,从美学角度追溯恐怖审美的理论起源:即古希腊悲剧引起的恐惧情感在审美作用上的相应概述,引出恐怖电影的审美特点。根据恐怖美感的特殊性,第一部分探讨了恐怖电影中审美期待心理的产生,具体落实到形式期待、意象期待和意蕴期待三方面,突出表现是恐怖形象塑造、叙事中的悬念制造、开放式结局对人审美心理的影响。第二部分聚焦于恐怖电影对审美心理距离的把握,深入探讨恐怖电影如何调动起观众内心最真实的恐怖情感,又恰好地制造距离,最终使观众得到娱乐宣泄、理智思考的审美感受。全文以具体的电影实例来佐证,在总体上对恐怖电影的艺术价值作出接受美学角度上的肯定。

吴婉云^[10]（2020）在《影像中的林奇主义研究》文中研究指明2019年10月,大卫·林奇荣获奥斯卡终身成就奖,美国电影艺术与科学学院以此肯定了林奇多年的艺术实践,奖项也使全世界众多的林奇粉丝弥补了心中多年的遗憾。林奇1967年开始接触电影,从一开始的短片到最后长片,他在电影世界中展现了不同寻常的魅力,他的电影往往带有林奇的独特风格,即是人们所说的林奇主义。和美国同时代的其他独立导演相比,林奇的作品呈现出以下独特的个性:一在选材上多为生活小事,就像我们日常的生活一样。家庭主妇、情侣爱人、邻居伙伴这些普通人走进了电影电视屏幕,代入感十分强烈。二在影片形式上林奇导演尝试过多种创新,从色彩分类上来看有黑白片和彩色片;从制作类型上来看有动画片和真人电影;从时长上来看有长片和短片;从叙事结构上来看,则有直线叙事和复杂叙事类型等等。三在风格上多元与杂糅,往往能在一部电影中看到其他作品的影子。林奇在电影中还常会利用一些自己比较喜欢的元素,比如红色波浪状的幕布、蓝色的闪电、白色的浓烟、熊熊燃烧的火焰等等。林奇的电影也会穿插其他影片的片段,情节母题会非常相似,从一个灵感延伸出很多别的情景细节,所以林奇的长片有时会非常长,其原因就在于灵感的迸发与延伸。四在艺术形式上林奇非常热衷于新形势的探索,不仅有纪录片式的长镜头的真实再现情景、也有作者电影的奇异剪辑、各种新奇摄影角度以及叙述视角,他还非常热衷于实验探索,即使观众和别人并不看好,也不会影响他的好奇心和探索的步伐。大卫·林奇的电影前期带有浓重的实验气息以及诡异恐怖色彩,不是平和的直线叙事,而是一开始就让人费脑筋、屏气凝神的异类。从他前期在短片创作中的摸索,到成熟叙事的长片,逐渐发展形成了他独特的电影美学——林奇主义。这是本文的论述重点,即大卫·林奇导演电影的特色以及艺术风格。

二、电影梦魇——电影史上的恐怖经典（论文开题报告）

（1）论文研究背景及目的

此处内容要求：

首先简单简介论文所研究问题的基本概念和背景，再而简单明了地指出论文所要研究解决的具体问题，并提出你的论文准备的观点或解决方法。

写法范例：

本文主要提出一款精简64位RISC处理器存储管理单元结构并详细分析其设计过程。在该MMU结构中,TLB采用叁个分离的TLB,TLB采用基于内容查找的相联存储器并行查找,支持粗粒度为64KB和细粒度为4KB两种页面大小,采用多级分层页表结构映射地址空间,并详细论述了四级页表转换过程,TLB结构组织等。该MMU结构将作为该处理器存储系统实现的一个重要组成部分。

（2）本文研究方法

调查法：该方法是有目的、有系统的搜集有关研究对象的具体信息。

观察法：用自己的感官和辅助工具直接观察研究对象从而得到有关信息。

实验法：通过主支变革、控制研究对象来发现与确认事物间的因果关系。

文献研究法：通过调查文献来获得资料，从而全面的、正确的了解掌握研究方法。

实证研究法：依据现有的科学理论和实践的需要提出设计。

定性分析法：对研究对象进行“质”的方面的研究，这个方法需要计算的数据较少。

定量分析法：通过具体的数字，使人们对研究对象的认识进一步精确化。

跨学科研究法：运用多学科的理论、方法和成果从整体上对某一课题进行研究。

功能分析法：这是社会科学用来分析社会现象的一种方法，从某一功能出发研究多个方面的影响。

模拟法：通过创设一个与原型相似的模型来间接研究原型某种特性的一种形容方法。

三、电影梦魇——电影史上的恐怖经典（论文提纲范文）

（1）身体的生成与身份转换 ——大卫·柯南伯格导演研究（论文提纲范文）

（3）网络时代美国创剧人研究（论文提纲范文）

（4）以爱的名义救赎 ——斯皮尔伯格《人工智能》的科学逻辑和伦理反思（论文提纲范文）

（5）创伤体验与影像救赎 ——英格玛·伯格曼电影研究（论文提纲范文）

（6）好莱坞惊悚片剧作研究（论文提纲范文）

（7）罗曼·波兰斯基创伤体验与影像救赎（论文提纲范文）

（8）西欧二战题材电影研究（论文提纲范文）

（9）论观看恐怖电影的审美感受（论文提纲范文）

（10）影像中的林奇主义研究（论文提纲范文）

四、电影梦魇——电影史上的恐怖经典（论文参考文献）

• [1]身体的生成与身份转换 ——大卫·柯南伯格导演研究[D]. 兰剑飞. 中国电影艺术研究中心, 2021
• [2]好莱坞科幻电影中怪兽形象塑造研究 ——以《异形》系列电影为例[D]. 翟邵琪. 南京师范大学, 2021
• [3]网络时代美国创剧人研究[D]. 尤达. 南京艺术学院, 2021(12)
• [4]以爱的名义救赎 ——斯皮尔伯格《人工智能》的科学逻辑和伦理反思[D]. 胡向伟. 兰州大学, 2021(02)
• [5]创伤体验与影像救赎 ——英格玛·伯格曼电影研究[D]. 陈琪. 曲阜师范大学, 2021(02)
• [6]好莱坞惊悚片剧作研究[D]. 刘翔宇. 上海师范大学, 2020(07)
• [7]罗曼·波兰斯基创伤体验与影像救赎[D]. 冯琪. 曲阜师范大学, 2020(02)
• [8]西欧二战题材电影研究[D]. 胡心言. 南京艺术学院, 2020(01)
• [9]论观看恐怖电影的审美感受[D]. 陈一霖. 上海师范大学, 2020(07)
• [10]影像中的林奇主义研究[D]. 吴婉云. 上海师范大学, 2020(07)

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